H-ART. Revista de historia, teoría y crítica de arte
Publicación arbitrada, trianual y de acceso abierto que publica artículos que contribuyan a la difusión de la investigación, los análisis y las opiniones sobre la historia, la teoría y la crítica de arte. Facultad de Artes y Humanidades · Departamento de Historia del arte
El artivismo como nueva herramienta política, didáctica y cultural. Propuestas artísticas para analizar el presente y sus posibles consecuencias. Reseña del libro Artivismo. Arte, politica, impegno de Vincenzo Trione (Turín, Einaudi, 2022)
La presente reseña analiza el último libro del escritor italiano Vincenzo Trione Artivismo. Arte, politica, impegno, publicado en el 2022. Junto al inminente paso del Antropoceno se desarrollan tendencias culturales y artísticas, una de ellas es el artivismo. Artistas, intelectuales y activistas protagonizan la construcción de nuevos paradigmas a través de proyectos colectivos, instalaciones site-specific o murales con el objetivo de evidenciar todo tipo de urgencias globales y proponer un nuevo presente.
Derechos de autor 2023 Raúl Armando Amorós Hormazábal https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Juan Ricardo Rey-Márquez, 'India, santa,americana libertad. La transformación de una salvaje en un símbolo libertario'. Bogotá: Universidad del Rosario; Buenos Aires: Universidad Nacional de San Martín, 2022. 230 pp.
Derechos de autor 2024 Edwin Mauricio Padilla Villada https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Susurros de nubes, ecos de montañas. Un análisis intercultural de los paisajes líricos de Gonzalo Ariza
Este ensayo reevalúa el arte de Gonzalo Ariza, un pintor colombiano del siglo XX, reconocido por sus paisajes que fusionan tradiciones orientales y occidentales. Desafiando las categorizaciones simplistas de su obra como un "estilo japonés apropiado", mi investigación sostiene que la visión paisajística de Ariza se transformó en una actitud contemplativa hacia las montañas andinas locales después de su regreso de Japón en 1938. Se contextualizan los desafíos que enfrentó Ariza al inspirarse en el arte del Asia oriental en medio de las corrientes modernistas y circunstancias políticas de mediados del siglo XX, arrojando luz sobre las narrativas críticas que marginaron su trabajo y desentrañando así las complejidades del modernismo colombiano dentro de un discurso artístico global. Basándome en el concepto de "dinamogramas" de Warburg para describir las "fórmulas del pathos" en sus paisajes, mi investigación argumenta que el trabajo de Ariza trasciende fronteras culturales, lo que une ambas tradiciones a través de las emociones sutiles evocadas por las montañas cubiertas de nubes, suscitando una apreciación universal por el esplendor místico de la naturaleza. A través de comparaciones interculturales y una perspectiva ecocrítica, mi ensayo profundiza en la integración de intercambio transcultural, la identidad nacional, y las representaciones de la naturaleza en las obras de Ariza, revelando su nostálgica conciencia proto-ambiental. De esta forma, se plantean preguntas sobre el poder transformador del arte del paisaje para reflejar e influir en los valores sociales y perspectivas sobre la naturaleza dentro de los diálogos contemporáneos sobre la gestión medioambiental y la negociación de la identidad cultural a través del arte.
Derechos de autor 2024 Prospero Carbonell https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
'Sade. La libertad o el mal'. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). 11 mayo-15 octubre, 2023.
Derechos de autor 2024 María Clara Bernal Bermúdez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los libros vivos de Juan Bautista Monegro: textos impresos, lecturas, comentarios
En el marco de las bibliotecas de particulares y artistas en la España de los siglos XVI y XVII, las de los arquitectos ocupan un lugar privilegiado. Entre estas, la librería del escultor y arquitecto Juan Bautista Monegro se nos presenta como una de las más importantes; su importancia se incrementa al haber llegado hasta nosotros más de una veintena de sus libros, muchos de ellos llenos de anotaciones personales y dibujos.
Derechos de autor 2023 Fernando Marías https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Juliana Martínez, Haunting without Ghosts: Spectral Realism in Colombian Literature, Film, and Art. Austin: University of Texas Press, 2020. 232 pp.
Derechos de autor 2024 María Margarita Malagón-Kurka https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los objetos melancólicos de Beatriz Daza
La melancolía estuvo en el centro del arte de Beatriz Daza: moldeó e informó sus objetos. Este ensayo explora cómo, para ella, este componente emocional actuó como un detonante creativo y una postura en y ante el mundo, alejados de condicionamientos patológicos y masculinistas. La melancolía fue el lente a través del cual Daza (de)construyó su subjetividad como mujer y artista, y se conectó y negoció intermitentemente con los años sesenta: una década de crisis contracultural. ¿Sus estrategias para lograrlo? La cerámica como práctica, y el recuerdo, el bodegón, la ruina y el archivo, así como la ambigua pulsión vital-mortífera de los ciclos del tiempo que subyace a estas nociones.
Dossier: Historias de la cerámica en Colombia
Derechos de autor 2025 H-ART. Revista de historia, teoría y crítica de arte
Paisajes políticos o memorias del paisaje. Envolturas, niebla y humo en la fotografía argentina reciente
Ante la premisa de hipervisibilidad que rige a las sociedades contemporáneas, algunas fotografías argentinas imaginan una política y una poética de los espacios que resisten a estas formas de dominación. En ellas las envolturas, la niebla y el humo parecen operar como obstructores del control y del disciplinamiento necesarios para la puesta en disponibilidad de los territorios, propiciando a la vez un encuentro con las memorias del pasado reciente. Trabajamos aquí las series fotográficas La envoltura de las cosas (2013) de Marcela Cabezas Hilb y Bruma (2017) de Santiago Porter, y el cortometraje Las aguas del olvido (2011) de Jonathan Perel. Estos trabajos retoman la cuestión del paisaje y evidencian la complejidad de un espacio metamórfico.
Derechos de autor 2024 Hernán Lopez Piñeyro, Natalia Fortuny https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La audiovisualidad de la niebla: video-cliffs vs. video-clips
La transparencia es el valor de cada época: transparencia democrática en lo político, transparencia visual en lo digital. Transparencia del cuerpo en la seducción. Este ensayo-creación afirma que, desde y en lo audiovisual, la transparencia visual es un exceso de brillo para encubrir, ocultar, perder la polisemia de las imágenes. Y propone el ambigüear lo visible, el ensuciar la mirada, el atravesar las apariencias y el bastardear las identidades como táctica para adquirir una narración, estética, verdad y representación de lo audiovisual. Así, se presenta la figura de la niebla como el modo inter-medio para intervenir la moral y el brillo de la imagen digital que tiene su cielo en la televisión y el video-clip. Este ensayo-creación busca re-pensar la representación y la narración audiovisual a través de la figura de la niebla. Al final se propone el video-cliff (o narración vértigo sobre la niebla) como alternativa impura que estalla la transparencia del video-clip.
Bernal Bermúdez, María Clara, et al. Redes intelectuales: arte y política en América Latina. Bogotá: Universidad de los Andes, Facultad de Artes y Humanidades, Departamento de Arte: Ediciones Uniandes; [Los Angeles, California: The Getty Foundation, Connecting Art Histories], 2015.
¿En el museo o en la iglesia? En busca de un discurso propio para el arte colonial neogranadino, 1920 - 1942
Este artículo propone comprender la complejidad que encerraba la nostalgia colonial que se vivió en las artes colombianas entre las décadas de 1920 y 1940, una añoranza que si bien se presentó como un obstáculo para la llegada de la modernidad al arte colombiano fue generadora de espacios de construcción de discursos propios en torno al arte, especialmente la pintura producida entre 1638 y 1711 por el pintor santafereño Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos. La institucionalización desde fines del siglo XIX de espacios de enseñanza, colección y exposición de las artes nacionales, el surgimiento de una literatura en torno a Vásquez, y coyunturas particulares como la desamortización y exclaustración de las órdenes religiosas desde 1861 fueron fundamentales en la conformación de unos ideales que defendían los vínculos con España y la remembranza de Vásquez como el gran pintor y modelo de artista nacional.
Dossier: Memorias del Simposio En Busca de lo Propio, homenaje a Ivonne Pini
Arte, testimonio e identidad en Eco: Revista de la Cultura de Occidente (1960-1963)
Este texto explora la manera como los artículos de arte publicados en la primer época de Eco: Revista de la Cultura de Occidente (1960-1963) funcionan como un testimonio del intento de la creación de una cultura de Occidente a través de una identidad alemana. En el texto se propone una lectura que permite entender la manera como los discursos sobre arte que aparecen en Eco tuvieron la capacidad de transmitir la creación de una cultura de un Occidente que hasta el momento se definía desde nociones ambiguas: desde un pensamiento alemán específico a través de una revista cultural pensada y editada en Colombia. A partir del análisis de los textos de Eco es posible observar la manera como la definición de esa pretendida identidad se dio en Colombia gracias a la clasificación o a la selección de narraciones especificas por parte de los individuos que fueron directores y redactores de la revista y que, al hacer dicha selección, definieron un Occidente para el lector colombiano.
La producción intelectual y artística de la mujer en las revistas Plástica y Revista del Arte y la Arquitectura en América Latina
El artículo pretende indagar el papel activo que ocupó la mujer en el circuito del arte, como escritora, y como artista a la luz de las revistas Plástica y la Revista del arte y la arquitectura en América Latina. Los artículos centrales que se analizaron giran en torno a distintas exposiciones, tanto individuales como colectivas, que involucran artistas mujeres en la década de los 70s y 80s. Se puede observar que si bien gradualmente hay un involucramiento mayor de mujeres tanto en cuestiones de artistas como de gestoras y escritoras, en el caso de las mujeres artistas hay unos líneamientos que favorecen únicamente a ciertos personajes. Queda abierta la pregunta sobre qué condiciones operan sobre el discurso de las mujeres en el arte en Colombia, que hacen que éste no sea diverso ni amplio. Es decir, que no se muestre un abanico heterogéneo y que, por el contrario, se limite a resaltar y exaltar a ciertas mujeres, invisibilizando a muchas otras que intercedieron de manera activa en el campo del arte.
Revista del arte y la arquitectura en América Latina
Producción crítica de Álvaro Barrios en la Revista del Arte y la Arquitectura en América Latina: Aportes para entender el concepto de arte a partir de la producción crítica de Álvaro Barrios en el contexto artístico colombiano entre 1978 y 1982
Durante los años sesenta y setenta se publicaba crítica de arte en Colombia en textos escritos y revistas especializadas que abordaban el campo artístico colombiano de manera directa. Muchos historiadores, filósofos, intelectuales y escritores estaban interesados en discutir de manera crítica el desarrollo de una comprensión de lo bello y del gusto artístico por parte de artistas e instituciones. Sin embargo, al convertirse en contraparte de la producción artística, el discurso crítico definió la manera como los artistas abordaron la tarea de discutir por escrito obras, exposiciones e instituciones desde su punto de vista y a partir de su experiencia como productores. La siguiente investigación describe la obra escrita de Álvaro Barrios, un reconocido artista contemporáneo y crítico de arte colombiano quien escribió para la Revista del arte y la arquitectura (una revista especializada en crítica de arte y arquitectura publicada en Medellín, Colombia) entre 1978 y 1982. Esta investigación se enfoca en el análisis de tres importantes artículos escritos por Barrios y construye a partir de ellos un concepto de arte a la luz del contexto en el que el autor vivía mientras exploraba su propia creación artística.
Vestigios cifrados: Destrucción, dispersión y reconstitución del patrimonio jesuítico en los Estados de Rio de Janeiro y São Paulo
Muchas son las incógnitas que envuelven el patrimonio remaneciente de las misiones jesuíticas en Brasil. Por factores ligados a su expulsión de los territorios portugueses (1759), el llamado "espolio" fue destruido, disperso, vendido, como atestan los inventarios. En este texto serán presentados procesos de destrucción, dispersión, reconstrucción, preservación y culto que marcaron la historia del patrimonio jesuítico en la región sudeste del país, y particularmente de los Colegios de Río de Janeiro, São Paulo y el litoral paulista. A través del estudio de esos casos, será posible evidenciar el significado de tales fenómenos para una más exacta comprensión de la historia del arte y de la arquitectura de la época colonial en Brasil. Por otra parte, destrucción, preservación y restauración son actos críticos y su historia será considerada como un documento relevante de las actitudes ideológicas y estéticas de la sociedad brasileña.
La idea de lo propio y la enunciación de una vanguardia artística local: Enrique Grau y el movimiento Mar y Cielo en Cartagena, 1940
Desde las décadas de los años veinte y treinta hubo una intensa discusión entre los artistas sobre lo que significaba ser modernos y sobre la idea de lo propio en América Latina. En este trabajo se aborda la manera en que un grupo de jóvenes, que se autodenominó Mar y Cielo, asumió y discutió estas ideas en Cartagena, a principios de la década del cuarenta, contraponiéndose a los pensadores tradicionalistas que defendían especialmente las herencias culturales hispanistas. Se analiza concretamente el caso del artista plástico Enrique Grau y de sus primeras imágenes de negras, mulatas e indias que evidenciaban su postura respecto a estas discusiones. Se concluye que las ideas sobre lo propio que plantearon Grau y los maricielistas muestran un cruce entre el interés por desplazar la mirada hacia lo autóctono—entendido como el rescate de las razas negra, indígena y mestiza, y de las tradiciones populares—, y ciertos influjos de las tradiciones hispanistas que, aunque pretendían discutir con ellas, de todas formas habían sido interiorizadas de múltiples maneras en la cultura local.
Entre metáforas y alegorías: La noción de identidad durante la tercera década del siglo XX en el contexto de las revistas culturales latinoamericanas
En las revistas culturales latinoamericanas de los años veinte fue recurrente el empleo de metáforas para transmitir la noción de identidad. En este texto se propone una exploración de esa figura literaria utilizada como medio de narración, aplicable a la identificación del ambiente social continental durante las primeras décadas del siglo XX. Se muestra como en el ambiente intelectual de la época operó más la creación, el sarcasmo, la imaginación contrastada, que la reflexión rigurosa, lógica o académica. Durante el periodo escogido primó la persuasión retórica como forma de presentar los avatares de la ambigua realidad social. Algunos de los textos inaugurales de las revistas se concibieron como metáfora de metáforas llegando al nivel de complejidad narrativa de las alegorías.
Toda mi posesión está expropiada: supervivencia y subjetividad a partir de Aliento de Óscar Muñoz
Este artículo propone una reflexión sobre la intimidad entre el duelo y la estructura de la subjetividad, a partir de la reformulación plástica de la especularidad que sugiere la instalación Aliento de Óscar Muñoz. Siguiendo las ideas de Jean-Luc Nancy sobre la relación entre el intruso, la semejanza del retrato y la constitución del sujeto, se observa cómo las imágenes indéxicas de los sujetos que se reflejan/retratan en los espejos, en su mutua intrusión, suponen una tensión sostenida entre la apropiación y la expropiación de sí mismo. Se exploran las implicaciones de esta tensión a la hora de pensar la supervivencia de la subjetividad del espectador, como metáfora del sujeto doliente, y del otro muerto, cuyo rostro (des)aparece gracias al aliento del primero: la supervivencia que se juega sobre el límite de la relación de ex-apropiación que anuncia su reflejo interrumpido.
Lo siniestro: vestigios de la guerra en cuatro series fotográficas de Juan Manuel Echavarría
En el artículo se hace una interpretación de cuatro series fotográficas de Juan Manuel Echavarría: Retratos (1996), NN (2005), Escuela Nueva (1998), y Silencios (2010 al presente). Si bien es frecuente que este tipo de obras se analicen de manera contextual, es decir, la tendencia a ver en las obras alguna clave para comprender el conflicto armado en Colombia, en este texto se opta por un camino diferente al indagar por la poética de estas fotografías. Sin renunciar a la referencia territorial, se hace un análisis de la dimensión afectiva de las obras, cuyo efecto se construye a partir de una poética de lo siniestro. Mediante esta poética, el trabajo de Echavarría sortea algunos de los inconvenientes del arte político: la representación, la emoción fácil y el reconocimiento instantáneo de cuestiones críticas.
Un lugar para los conversos: Sutatausa a la luz de una restauración
El artículo da a conocer el material recopilado por el grupo de investigación que trabajó en la restauración del Conjunto Doctrinero de Sutatausa (Cundinamarca, Colombia) entre los años de 1990 y 1998. Así mismo, se presenta información valiosa sobre el uso tradicional de las capillas posas que aún perviven y del proceso de adoctrinamiento en el pueblo. Finalmente, se argumenta que este material no solo ha permitido aportar nueva información a la historia del templo, sino también al conocimiento sobre el proceso de evangelización en Sutatausa a finales del siglo XVI y la primera mitad del siglo XVII.
Velázquez y la invención: mimesis y anagnórisis entre Italia y España (c. 1618-1630)
Este ensayo pretende considerar algunos ejemplos de la producción de Diego Velázquez susceptibles de ser interpretados como transgresiones de género. Desde un punto de vista metapictórico, los bodegones de su etapa sevillana no serán elucidados ni como ‘pinturas de lo cotidiano’ ni como imágenes polisémicas o emblemáticas, sino como ‘invenciones’ miméticas. A pesar de su significación para el joven Velázquez, la naturaleza muerta declinaría como género independiente en su madurez. Sin embargo, mucho de lo aprendido de su ejercitación resurgió purificado en sus ‘fábulas’ o ‘pinturas de historia’. Con todas estas obras, Velázquez superaría el concepto de imitación simple hasta el punto de desarrollar el de dissimulatio artis como fin verdadero de su pintura.
Taller Historia Crítica del Arte. Arte y disidencia política: memorias del Taller 4 Rojo. Bogotá: La Bachué, 2015
La Edad Media de visita en Colombia: entre el conservadurismo historiográfico y las demandas económicas del mercado cultural
Técnicas de modelado y fundición en la escultura colonial colombiana
Si bien la talla en madera —policromada y estofada— es la técnica de mayor trascendencia en el arte neogranadino de la Edad Moderna, no se debe ignorar que existió una gran riqueza material que por mucho tiempo ha quedado relegada en los estudios historiográficos. Con el presente artículo se pretende superar esta visión reduccionista que hoy estamos en condiciones de matizar gracias al examen de algunos vestigios materiales que aún perviven y, sobre todo, de la documentación archivística existente. En el texto que sigue se centrará la atención en aquellas piezas escultóricas obtenidas por procesos de modelado. Esta atención que se prestará a la materialidad de la obra, fuente primera de información para el historiador del arte, es una reflexión esencial para conseguir un correcto e integral análisis del artefacto artístico.
Una y tres aproximaciones teóricas a la serie David de Miguel Ángel Rojas
Este ensayo estudia la serie fotográfica David de Miguel Ángel Rojas desde la perspectiva de “Lo siniestro” propuesta por Sigmund Freud. Luego de una revisión histórica del proceso de creación de la obra, sugiero tres aproximaciones teóricas a la serie: como un ícono vinculado a la realidad material de la historia del arte, como un cuerpo relacionado con la realidad psíquica del espectador, y como una fotografía alegórica suspendida entre lo imaginario y lo real. Propongo que David interpela emocionalmente al espectador al desdibujar los límites que separan lo privado y lo público, y al mezclar realidades que parecieran ser excluyentes —como la realidad histórica de la historia del arte y la realidad psicológica de cada individuo. El texto concluye con una discusión sobre cómo David actúa como instrumento en contra de la represión cultural colectiva al insistir en recordar los efectos traumáticos del conflicto colombiano a nivel individual, y en especial la tragedia que conllevan las minas antipersonales.