H-ART. Revista de historia, teoría y crítica de arte
Publicación arbitrada, trianual y de acceso abierto que publica artículos que contribuyan a la difusión de la investigación, los análisis y las opiniones sobre la historia, la teoría y la crítica de arte. Facultad de Artes y Humanidades · Departamento de Historia del arte
El artivismo como nueva herramienta política, didáctica y cultural. Propuestas artísticas para analizar el presente y sus posibles consecuencias. Reseña del libro Artivismo. Arte, politica, impegno de Vincenzo Trione (Turín, Einaudi, 2022)
La presente reseña analiza el último libro del escritor italiano Vincenzo Trione Artivismo. Arte, politica, impegno, publicado en el 2022. Junto al inminente paso del Antropoceno se desarrollan tendencias culturales y artísticas, una de ellas es el artivismo. Artistas, intelectuales y activistas protagonizan la construcción de nuevos paradigmas a través de proyectos colectivos, instalaciones site-specific o murales con el objetivo de evidenciar todo tipo de urgencias globales y proponer un nuevo presente.
Derechos de autor 2023 Raúl Armando Amorós Hormazábal https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Susurros de nubes, ecos de montañas. Un análisis intercultural de los paisajes líricos de Gonzalo Ariza
Este ensayo reevalúa el arte de Gonzalo Ariza, un pintor colombiano del siglo XX, reconocido por sus paisajes que fusionan tradiciones orientales y occidentales. Desafiando las categorizaciones simplistas de su obra como un "estilo japonés apropiado", mi investigación sostiene que la visión paisajística de Ariza se transformó en una actitud contemplativa hacia las montañas andinas locales después de su regreso de Japón en 1938. Se contextualizan los desafíos que enfrentó Ariza al inspirarse en el arte del Asia oriental en medio de las corrientes modernistas y circunstancias políticas de mediados del siglo XX, arrojando luz sobre las narrativas críticas que marginaron su trabajo y desentrañando así las complejidades del modernismo colombiano dentro de un discurso artístico global. Basándome en el concepto de "dinamogramas" de Warburg para describir las "fórmulas del pathos" en sus paisajes, mi investigación argumenta que el trabajo de Ariza trasciende fronteras culturales, lo que une ambas tradiciones a través de las emociones sutiles evocadas por las montañas cubiertas de nubes, suscitando una apreciación universal por el esplendor místico de la naturaleza. A través de comparaciones interculturales y una perspectiva ecocrítica, mi ensayo profundiza en la integración de intercambio transcultural, la identidad nacional, y las representaciones de la naturaleza en las obras de Ariza, revelando su nostálgica conciencia proto-ambiental. De esta forma, se plantean preguntas sobre el poder transformador del arte del paisaje para reflejar e influir en los valores sociales y perspectivas sobre la naturaleza dentro de los diálogos contemporáneos sobre la gestión medioambiental y la negociación de la identidad cultural a través del arte.
Derechos de autor 2024 Prospero Carbonell https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los libros vivos de Juan Bautista Monegro: textos impresos, lecturas, comentarios
En el marco de las bibliotecas de particulares y artistas en la España de los siglos XVI y XVII, las de los arquitectos ocupan un lugar privilegiado. Entre estas, la librería del escultor y arquitecto Juan Bautista Monegro se nos presenta como una de las más importantes; su importancia se incrementa al haber llegado hasta nosotros más de una veintena de sus libros, muchos de ellos llenos de anotaciones personales y dibujos.
Derechos de autor 2023 Fernando Marías https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Juan Ricardo Rey-Márquez, 'India, santa,americana libertad. La transformación de una salvaje en un símbolo libertario'. Bogotá: Universidad del Rosario; Buenos Aires: Universidad Nacional de San Martín, 2022. 230 pp.
Derechos de autor 2024 Edwin Mauricio Padilla Villada https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
El presente artículo plantea una revisión de la obra del artista colombiano del performance Alfonso Suárez, analizada aquí a la luz del concepto del arte de la actitud planteado por el artista, crítico y curador Álvaro Barrios. Dicha categoría nos ofrece una herramienta de análisis de las propuestas de corte experimental que empiezan a surgir en el Caribe colombiano en la segunda mitad del siglo XX y que tienen como una de sus características el desmantelamiento de las distancias entre arte y vida, inquietud que será imprescindible para entender la praxis y trayectoria artística de Suárez.
Dossier: Tiempos para el asombro: Latinoamérica, Realismo Mágico, Surrealismo
Derechos de autor 2024 Elías Doria https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
'Sade. La libertad o el mal'. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB). 11 mayo-15 octubre, 2023.
Derechos de autor 2024 María Clara Bernal Bermúdez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Juliana Martínez, Haunting without Ghosts: Spectral Realism in Colombian Literature, Film, and Art. Austin: University of Texas Press, 2020. 232 pp.
Derechos de autor 2024 María Margarita Malagón-Kurka https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Los objetos melancólicos de Beatriz Daza
La melancolía estuvo en el centro del arte de Beatriz Daza: moldeó e informó sus objetos. Este ensayo explora cómo, para ella, este componente emocional actuó como un detonante creativo y una postura en y ante el mundo, alejados de condicionamientos patológicos y masculinistas. La melancolía fue el lente a través del cual Daza (de)construyó su subjetividad como mujer y artista, y se conectó y negoció intermitentemente con los años sesenta: una década de crisis contracultural. ¿Sus estrategias para lograrlo? La cerámica como práctica, y el recuerdo, el bodegón, la ruina y el archivo, así como la ambigua pulsión vital-mortífera de los ciclos del tiempo que subyace a estas nociones.
Dossier: Historias de la cerámica en Colombia
Derechos de autor 2025 H-ART. Revista de historia, teoría y crítica de arte
Paisajes políticos o memorias del paisaje. Envolturas, niebla y humo en la fotografía argentina reciente
Ante la premisa de hipervisibilidad que rige a las sociedades contemporáneas, algunas fotografías argentinas imaginan una política y una poética de los espacios que resisten a estas formas de dominación. En ellas las envolturas, la niebla y el humo parecen operar como obstructores del control y del disciplinamiento necesarios para la puesta en disponibilidad de los territorios, propiciando a la vez un encuentro con las memorias del pasado reciente. Trabajamos aquí las series fotográficas La envoltura de las cosas (2013) de Marcela Cabezas Hilb y Bruma (2017) de Santiago Porter, y el cortometraje Las aguas del olvido (2011) de Jonathan Perel. Estos trabajos retoman la cuestión del paisaje y evidencian la complejidad de un espacio metamórfico.
Derechos de autor 2024 Hernán Lopez Piñeyro, Natalia Fortuny https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Un museo para la “Nueva Argentina”. La gestión del Museo Nacional de Bellas Artes durante los gobiernos peronistas, 1944-1955
Este articulo analiza la gestión del Museo Nacional de Bellas Artes durante el primer gobierno peronista en Argentina, bajo la dirección del historiador y crítico de arte Juan Zocchi. Se propone una (re)lectura de las relaciones que se establecen entre el Museo Nacional y el campo artístico, y del papel desempeñado en el proyecto cultural del primer peronismo. La gestión de Zocchi ha sido considerada por la historiografía del arte como un “atraso” en el proyecto modernizador iniciado años antes. Sin embargo, un análisis más profundo permite ver un proyecto novedoso que reivindicaba lecturas del arte moderno, articulándose con idearios de la doctrina justicialista y desarrollando estrategias para transformar al Museo en un ámbito destacado del proyecto cultural del peronismo.
Derechos de autor 2025 María Guadalupe Suasnábar https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Del Ovo al Relevo espacial: Emergencias y disrupciones en la colección Adolpho Leirner
En 2003 se realizó en México la exposición Cuasi-corpus: Arte concreto y neoconcreto de Brasil: Una selección del acervo del Museu de Arte Moderna de São Paulo y la colección Adolpho Leirner. A dieciocho años de esta curaduría podemos establecer nuevas lecturas de la colección Leirner a partir de otros paradigmas de la historia del arte, considerando obras emblemáticas que generaron disrupciones estéticas. Ovo y Bicho (máquina) de Lygia Clark, o Relevo espacial de Hélio Oiticica, simbolizan la emergencia de una dimensión performática y dinámica, y operan como dispositivos visuales que activaron un encuentro con el cuerpo y el color. Proponemos una revisión crítica desde debates actuales para establecer y analizar la tensión hacia lo corporal en los objetos de Clark y Oiticica.
Derechos de autor 2022 María Elena Lucero https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Colombia 1971: Trabajadores del Arte Revolucionario y movimiento estudiantil
La emergencia del Frente Cultural (FC) del Movimiento Obrero Independiente Revolucionario (MOIR) fue un espacio para prácticas artísticas con vocación partidaria, volcadas en propaganda, agitación social y militancia política. Cruzando historia, historia del arte y estudios visuales, reconstruimos formas de imaginación política que permitieron proyectar prácticas artísticas y culturales con una vocación por intervenir y transformar la realidad que abrazó el MOIR, en el contexto de las nuevas izquierdas en Colombia y la consolidación de un movimiento estudiantil en la década del setenta. Consideramos que ese nicho, contextualizado e interdisciplinar, propició una performatividad de imágenes en la cultura visual del MOIR que hoy funcionan como un lugar de la memoria para reconsiderar aquel momento y su supervivencia.
Derechos de autor 2022 María Sol Barón, Camilo Ordóñez https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
Cuestionario sobre historia del arte Nuria Rodríguez-Ortega
Introducción a la historia del arte digital: una conversación colaborativa
Este ensayo reúne las experiencias de cuatro personas que trabajan en el campo de la historia del arte digital y espera ser una introducción al campo arraigada en la práctica. Busca dar cuenta de la multivalencia del concepto de una historia del arte digital que se explorará brevemente en esta introducción. Esperamos que este ensayo le permita a los lectores percibir la historia del arte digital como un quehacer posible, ya sea que se aproximen a ella desde la perspectiva de la enseñanza o del trabajo académico. Además de ello pretendemos contribuir a la conversación colectiva que le da vida a la historia del arte digital en virtud de su naturaleza notablemente participativa.
Basado en la relación de la autora con la naturaleza y su experiencia de la Naturaleza como “consumo” digital, este artículo analiza la frontera que divide aquello que se clasifica como “vida natural” de lo que se percibe como “vida artificial”. Se parte del entendimiento de mi? Practica artística, como un aprendizaje motivado por la idea de que la tarea de curar un conjunto de datos y entrenar una red neuronal y explorar los resultados de los modelos producidos puede ser concebido como una forma de meditación en torno a un sujeto. El artículo concluye exponiendo como la vida artificial puede ser una interfaz experimental, pues dentro de lo digital se pueden encontrar incontables maneras de crear experiencias e interacciones. Es posible también crear formas de vida digitales que se pueden entender como actores autónomos y en donde podemos explorar una cantidad inconmensurable de narraciones alternativas que permitirán quizá ver nuestro mundo físico bajo otra luz.
Dossier: Zonas de contacto: Art History in a Global Network?
Monumentos de la disidencia: Modelos 3D de la revuelta social en Chile por el Colectivo de Artistas Antes del Olvido
El colectivo artístico Antes del Olvido se formó en 2019 durante la crisis en Chile para documentar lugares importantes de la protesta en forma de modelos 3D. Su objetivo es “producir colectivamente un archivo del estallido” como “una herramienta política, un artefacto para la memoria colectiva”. Basándonos en el concepto de artivismo, analizamos varios aspectos de estas imágenes: primero, su lugar entre las instantáneas fotográficas, los grafitis y el tejido urbano, y la circulación de símbolos a través de estos medios. Segundo, investigamos la importancia de la ubicación y el movimiento en la protesta y su conservación en los modelos 3D. Por último, reflexionamos sobre su papel como monumentos generados por los ciudadanos al proporcionar agencia a los artistas y al público en la configuración de la memoria histórica.
Derechos de autor 2022 Matthias Johannes Pfaller Schmid https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
“Zonas de contacto: Art History in a Global Network?”
La idea de zona de contacto constituye un concepto productivo para pensar la configuración del mundo contemporáneo como un espacio de dimensiones heterogéneas y diversas que se encuentran en un continuo proceso de interacción y de producción mutua. En cuanto zona de contacto en sí misma, el ámbito de trabajo que denominamos historia del arte digital se prefigura como un interesante contexto sobre el que proyectar esta reflexión, extraer conclusiones y formular algunas ideas, especialmente en relación con las condiciones que hacen posible (y que limitan) la existencia de redes y comunidades globales en un mundo hiperconectado. Si partimos del convencimiento de que los problemas complejos que debemos afrontar en la actualidad solo pueden abordarse desde perspectivas transversales que exigen colaboración y cooperación a gran escala en estructuras fuertes, horizontales y solidarias, indagar sobre esta cuestión resulta esencial. A lo largo de este artículo editorial, se reflexiona sobre algunos de los parámetros que dificultan la constitución de redes globales en el ámbito de la historia del arte digital y se plantea la pregunta sobre cuál pueda ser el horizonte común que le confiera cohesión y un sentido compartido a escala global. Partiendo de una visión de la historia del arte digital como proyecto político, esto es, como actor clave en la configuración y discusión de nuestro presente y futuro hipertecnológico, se argumenta la necesidad de conferirle una misión (una pregunta-problema) que nos cohesione como comunidad diversa pero articulada en torno a un proyecto común.
Chile y la pedagogía de las Vjutemás: a 100 años de la fundación de las escuelas constructivistas
En contraste con la celebración de los cien años de la fundación de la Escuela de Arte, Diseño y Arquitectura Bauhaus, el centenario de la fundación de las escuelas constructivistas rusas, las Vjutemás, ha tenido mucha menor cobertura. Un tema casi desconocido es el temprano impacto que estas escuelas tuvieron en la pedagogía artística chilena, incluso mucho antes que la Bauhaus. Otro tema que tampoco es muy conocido es la deuda pedagógica de la emblemática Bauhaus alemana con las Vjutemás rusas. Este trabajo propone levantar antecedentes para un mejor entendimiento de las vanguardias chilenas y sudamericanas a la luz de algunos cruces con referencias parciales a la Bauhaus y, especialmente, de los casi inexistentes estudios de vinculación con el movimiento constructivista original.
Derechos de autor 2022 David Maulén de los Reyes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0
La audiovisualidad de la niebla: video-cliffs vs. video-clips
La transparencia es el valor de cada época: transparencia democrática en lo político, transparencia visual en lo digital. Transparencia del cuerpo en la seducción. Este ensayo-creación afirma que, desde y en lo audiovisual, la transparencia visual es un exceso de brillo para encubrir, ocultar, perder la polisemia de las imágenes. Y propone el ambigüear lo visible, el ensuciar la mirada, el atravesar las apariencias y el bastardear las identidades como táctica para adquirir una narración, estética, verdad y representación de lo audiovisual. Así, se presenta la figura de la niebla como el modo inter-medio para intervenir la moral y el brillo de la imagen digital que tiene su cielo en la televisión y el video-clip. Este ensayo-creación busca re-pensar la representación y la narración audiovisual a través de la figura de la niebla. Al final se propone el video-cliff (o narración vértigo sobre la niebla) como alternativa impura que estalla la transparencia del video-clip.
La producción intelectual y artística de la mujer en las revistas Plástica y Revista del Arte y la Arquitectura en América Latina
El artículo pretende indagar el papel activo que ocupó la mujer en el circuito del arte, como escritora, y como artista a la luz de las revistas Plástica y la Revista del arte y la arquitectura en América Latina. Los artículos centrales que se analizaron giran en torno a distintas exposiciones, tanto individuales como colectivas, que involucran artistas mujeres en la década de los 70s y 80s. Se puede observar que si bien gradualmente hay un involucramiento mayor de mujeres tanto en cuestiones de artistas como de gestoras y escritoras, en el caso de las mujeres artistas hay unos líneamientos que favorecen únicamente a ciertos personajes. Queda abierta la pregunta sobre qué condiciones operan sobre el discurso de las mujeres en el arte en Colombia, que hacen que éste no sea diverso ni amplio. Es decir, que no se muestre un abanico heterogéneo y que, por el contrario, se limite a resaltar y exaltar a ciertas mujeres, invisibilizando a muchas otras que intercedieron de manera activa en el campo del arte.
Dossier: Memorias del Simposio En Busca de lo Propio, homenaje a Ivonne Pini
Revista del arte y la arquitectura en América Latina
Arte, testimonio e identidad en Eco: Revista de la Cultura de Occidente (1960-1963)
Este texto explora la manera como los artículos de arte publicados en la primer época de Eco: Revista de la Cultura de Occidente (1960-1963) funcionan como un testimonio del intento de la creación de una cultura de Occidente a través de una identidad alemana. En el texto se propone una lectura que permite entender la manera como los discursos sobre arte que aparecen en Eco tuvieron la capacidad de transmitir la creación de una cultura de un Occidente que hasta el momento se definía desde nociones ambiguas: desde un pensamiento alemán específico a través de una revista cultural pensada y editada en Colombia. A partir del análisis de los textos de Eco es posible observar la manera como la definición de esa pretendida identidad se dio en Colombia gracias a la clasificación o a la selección de narraciones especificas por parte de los individuos que fueron directores y redactores de la revista y que, al hacer dicha selección, definieron un Occidente para el lector colombiano.
Bernal Bermúdez, María Clara, et al. Redes intelectuales: arte y política en América Latina. Bogotá: Universidad de los Andes, Facultad de Artes y Humanidades, Departamento de Arte: Ediciones Uniandes; [Los Angeles, California: The Getty Foundation, Connecting Art Histories], 2015.
Producción crítica de Álvaro Barrios en la Revista del Arte y la Arquitectura en América Latina: Aportes para entender el concepto de arte a partir de la producción crítica de Álvaro Barrios en el contexto artístico colombiano entre 1978 y 1982
Durante los años sesenta y setenta se publicaba crítica de arte en Colombia en textos escritos y revistas especializadas que abordaban el campo artístico colombiano de manera directa. Muchos historiadores, filósofos, intelectuales y escritores estaban interesados en discutir de manera crítica el desarrollo de una comprensión de lo bello y del gusto artístico por parte de artistas e instituciones. Sin embargo, al convertirse en contraparte de la producción artística, el discurso crítico definió la manera como los artistas abordaron la tarea de discutir por escrito obras, exposiciones e instituciones desde su punto de vista y a partir de su experiencia como productores. La siguiente investigación describe la obra escrita de Álvaro Barrios, un reconocido artista contemporáneo y crítico de arte colombiano quien escribió para la Revista del arte y la arquitectura (una revista especializada en crítica de arte y arquitectura publicada en Medellín, Colombia) entre 1978 y 1982. Esta investigación se enfoca en el análisis de tres importantes artículos escritos por Barrios y construye a partir de ellos un concepto de arte a la luz del contexto en el que el autor vivía mientras exploraba su propia creación artística.
La idea de lo propio y la enunciación de una vanguardia artística local: Enrique Grau y el movimiento Mar y Cielo en Cartagena, 1940
Desde las décadas de los años veinte y treinta hubo una intensa discusión entre los artistas sobre lo que significaba ser modernos y sobre la idea de lo propio en América Latina. En este trabajo se aborda la manera en que un grupo de jóvenes, que se autodenominó Mar y Cielo, asumió y discutió estas ideas en Cartagena, a principios de la década del cuarenta, contraponiéndose a los pensadores tradicionalistas que defendían especialmente las herencias culturales hispanistas. Se analiza concretamente el caso del artista plástico Enrique Grau y de sus primeras imágenes de negras, mulatas e indias que evidenciaban su postura respecto a estas discusiones. Se concluye que las ideas sobre lo propio que plantearon Grau y los maricielistas muestran un cruce entre el interés por desplazar la mirada hacia lo autóctono—entendido como el rescate de las razas negra, indígena y mestiza, y de las tradiciones populares—, y ciertos influjos de las tradiciones hispanistas que, aunque pretendían discutir con ellas, de todas formas habían sido interiorizadas de múltiples maneras en la cultura local.
Entre metáforas y alegorías: La noción de identidad durante la tercera década del siglo XX en el contexto de las revistas culturales latinoamericanas
En las revistas culturales latinoamericanas de los años veinte fue recurrente el empleo de metáforas para transmitir la noción de identidad. En este texto se propone una exploración de esa figura literaria utilizada como medio de narración, aplicable a la identificación del ambiente social continental durante las primeras décadas del siglo XX. Se muestra como en el ambiente intelectual de la época operó más la creación, el sarcasmo, la imaginación contrastada, que la reflexión rigurosa, lógica o académica. Durante el periodo escogido primó la persuasión retórica como forma de presentar los avatares de la ambigua realidad social. Algunos de los textos inaugurales de las revistas se concibieron como metáfora de metáforas llegando al nivel de complejidad narrativa de las alegorías.
¿En el museo o en la iglesia? En busca de un discurso propio para el arte colonial neogranadino, 1920 - 1942
Este artículo propone comprender la complejidad que encerraba la nostalgia colonial que se vivió en las artes colombianas entre las décadas de 1920 y 1940, una añoranza que si bien se presentó como un obstáculo para la llegada de la modernidad al arte colombiano fue generadora de espacios de construcción de discursos propios en torno al arte, especialmente la pintura producida entre 1638 y 1711 por el pintor santafereño Gregorio Vásquez de Arce y Ceballos. La institucionalización desde fines del siglo XIX de espacios de enseñanza, colección y exposición de las artes nacionales, el surgimiento de una literatura en torno a Vásquez, y coyunturas particulares como la desamortización y exclaustración de las órdenes religiosas desde 1861 fueron fundamentales en la conformación de unos ideales que defendían los vínculos con España y la remembranza de Vásquez como el gran pintor y modelo de artista nacional.